Musique au cinéma

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Du simple pianiste dans la salle obscure aux bandes originales spécialement composées, l'histoire du cinéma est aussi une histoire de musique. Aujourd'hui, un film ne peut vivre sans musique, car celle-ci nourrit l'imaginaire et participe à la création de l'univers fictionnel.

Sommaire

1 L'origine de la musique au cinéma
2 Les pouvoirs de la musique
3 Compositeurs célèbres de musique de film
4 Voir aussi

[modifier] L'origine de la musique au cinéma

[modifier] Besoin ?

À l'aube du cinéma, le son n'existait pas. Cependant, la projection de film était souvent accompagnée par un pianiste ou un orchestre, pour des raisons multiples : couvrir le bruit du projecteur, rassurer les spectateurs dans le noir, distraire l'oreille. Mais cet accompagnement renforçait aussi le rythme et l'émotion, ce que très vite les producteurs de films et les cinéastes ont compris. C'est ainsi qu'en 1909, les films Edison éditent Suggestion for Music, un catalogue dans lequel chaque action ou émotion est associée à une ou plusieurs mélodies extraites du répertoire classique. De même, Playing to Picture (W.T. George, 1912), Sam Fox Moving Picture Music Volumes (J.S. Zamacki, 1913), Motion Pictures Moods for Pianists and Organists : A Rapid-Reference Collection of Selected Pieces (Ernö Rapee, 1924) sont des ouvrages musicaux qui classent minutieusement les pièces classiques et les compositions originales.

[modifier] Le problème de la synchronisation

Les musiciens jouant pendant la projection d'un film sont exposés à de nombreux problèmes : fluctuations dans la vitesse de déroulement des films, état des copies qui se détériorent très vite, etc. Ceci oblige les musiciens à achever, changer voire sauter précipitamment un morceau. La synchronisation entre le son et les images est un problème majeur au début du siècle.

[modifier] L'arrivée du son optique

Dès 1903, le Français Lauste, puis l’Américain Lee De Forest tentent de rassembler musique et images sur un même support. C'est en 1923 que les premières démonstrations des Phonofilms de Lee de Forest émergent : l'industrie du cinéma ne réagit pas. En 1926, le procédé Vitaphone, qui enregistre le son sur un disque et le synchronise avec le projecteur est un triomphe, tout comme le célèbre film sonore Le Chanteur de jazz (1927) d'Alan Crosland qui impose par son succès le cinéma parlant. Cinéastes, producteurs et musiciens prennent conscience du rôle de la voix, des bruits et de la musique dans un film.

[modifier] Les pouvoirs de la musique

La musique permet de modifier à volonté l'espace et le temps.

Les premières partitions écrites spécifiquement pour le cinéma jouent généralement le même rôle que les morceaux du répertoire classique qu'elles remplacent : elles ne font que soutenir le discours cinématographique, souvent avec emphase. Cette réduction de la musique à une fonction de doublage amènera le compositeur Igor Stravinsky à la considérer comme du papier peint¹.

Petit à petit, la musique brise le cocon de simple accompagnement sonore. Elle dépasse son rôle d'illustration pour apporter une dimension supplémentaire chargée de sens. Au-delà de son apport esthétique, elle devient utile et participe au récit.

Les premières images des Dents de la mer (Jaws, Steven Spielberg, 1979) ne sont pas en elles-mêmes porteuses de suspense, la nageuse ne semble courir aucun danger. C'est la partition de John Williams qui agit comme révélateur et transforme l'attente du spectateur en véritable angoisse. Le thème musical devient même un leitmotiv induisant l'appréhension à lui seul à plusieurs reprises dans le film.

Avec Easy Rider (Dennis Hopper, 1969) le rock fait son apparition dans la musique de film. La bande originale enchaîne les tubes. La commercialisation des musiques de film prend un nouvel essor. Les ventes de bandes originales explosent car elles proposent à la fois une compilation de morceaux connus et la restitution de l'atmosphère d'un film.

La musique devient indissociable de l'image et les réalisateurs y accordent une place croissante. Les thèmes musicaux de certains films deviennent de véritables succès populaires. Des collaborations durables s'installent entre metteur en scène et compositeur qui partagent le même univers, la même sensibilité : Steven Spielberg et John Williams, Alfred Hitchcock et Bernard Herrmann, Sergio Leone et Ennio Morricone, David Lynch et Angelo Badalamenti, Tim Burton et [[Danny Elfman]ou Luc Besson et Eric Serra.

Dans les années 1990, la musique de film interagit avec le récit et l'on peut ainsi voir les personnages de Magnolia (Paul Thomas Anderson, 1999) se mettre à chanter alors que le film n'est pas une comédie musicale.

En 1995, cherchant à renouer avec plus de simplicité et de sincérité, le vœu de chasteté du Dogme95 interdit d'utiliser toute musique qui ne ferait pas partie de l'histoire (elle ne doit pas être rajoutée au montage, elle doit faire partie de la scène : les personnages peuvent l'entendre).

[modifier] Compositeurs célèbres de musique de film

[modifier] Voir aussi

Musique de film
France Info Musiques de films: site de l'émission radio "Musiques de films", présentée par la spécialiste Sophie Loubière. Il s'agit d'une chronique diffusée le dimanche à 15h12, 16h51, 19h51 et le lundi à 00h12.
(fr) Traxzone Le magazine francophone en ligne de la musique de film
(en) Un article d'Igor Stravinsky sur la musique de film sur le site de la Film Music Society
(en) http://www.soundtrack.net/
(fr) Dossier 'La Musique au cinéma' sur CinEmotions