Technique du piano
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Glenn Gould disait : « La technique du piano est en vérité très simple, mais il faut des années pour la maîtriser ». Le piano est un art difficile.
[modifier] La technique physique du piano
[modifier] La position du corps face à l'instrument
Les observateurs attentifs des gravures, peintures, photographies et vidéo de pianistes célèbres seront surpris de constater à quel point la position des pianistes face à leur clavier est variée. Franz Liszt nous paraît dominer son clavier de toute sa hauteur, assis assez haut, les doigts allongés, plantés comme de noueuses racines dans son clavier, tandis que Glenn Gould est assis presque en contre-bas de son clavier et enfonce la tête dans ses épaules. Une conclusion s'impose : à chacun de trouver sa position adéquate, celle qui lui permet de jouer à son aise, de s'exprimer comme il l'entend.
Pour les débutants, la recherche de la position idéale n'est pas aisée et demande de l'expérience. C'est la raison pour laquelle on conseille souvent une position de référence qui correspondrait à peu près aux critères suivants :
- dos bien droit ;
- coudes à hauteur de clavier ;
- doigts bien arrondis sur le clavier ;
- poignets dans le prolongement du coude ;
- être bien assis sur le bord des fesses, on ne s'assoit pas face au piano comme face à un bureau.
Une position assise trop haute risque de faire perdre l'adhérence au clavier, une position trop basse risque de gêner le mouvement des bras.
À chaque style de musique correspond une assise. Ainsi, lorsque l'on joue de la musique antérieure à la musique romantique on joue plutôt près du clavier, tabouret bas, un peu en contrebas du clavier pour jouer avec précision avec les doigts (technique Glenn Gould). En revanche, pour la musique romantique, on jouera plutôt en dessus du clavier de façon à avoir le poids des bras sur les mains pour pouvoir exécuter les nuances parfois très fortes de ce type de musique (style Lizst). Néanmoins comme chaque personne est différente, certains compositeurs comme Chopin préconisaient l'assise basse en opposition à l'assise haute de « ces casseurs de pianos » comme il le disait lui-même. De même la position romantique est spécialement étudiée pour permettre à l'interprète de mouvoir son corps en même temps que la musique : grands déplacements etc.
[modifier] La souplesse
Pour n'importe quel style et n'importe quelle époque, la souplesse doit être parfaite pour optimiser la qualité sonore du morceau lors de son exécution. Sans celle-ci, le morceau perdra de sa valeur musicale. On peut dire que la souplesse se trouve dans tout le haut du corps, c'est-à-dire les doigts, les poignets, le bras et pour finir les épaules.
[modifier] Le doigt
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Cette section est vide ou n'est pas assez détaillée, votre aide est la bienvenue ![modifier] Le poignet
Le poignet joue un rôle primordial lors de l'exécution d'un morceau de musique. Avec le bras et l'épaule c'est lui qui va garantir la souplesse des gestes et la fluidité de la musique. Ainsi, suivant sa position la note ne sonnera pas de la même façon : on dit que l'on donne une couleur à la note.
Donc le poignet doit être souple de trois façons : la souplesse latérale (de gauche à droite), verticale (de bas en haut) et rotative (le poignet pivote sur son axe).
[modifier] Le bras
Cette section est vide ou n'est pas assez détaillée, votre aide est la bienvenue ![modifier] Les épaules
Cette section est vide ou n'est pas assez détaillée, votre aide est la bienvenue ![modifier] Le haut du corps
Cette section est vide ou n'est pas assez détaillée, votre aide est la bienvenue ![modifier] Le pied
Bien que l'on pense que les pieds ne servent à rien d'autre au piano qu'à appuyer sur les pédales, les pieds sont la base de tout. Être bien assis et bien ancré au sol lorsque l'on joue au piano est un moyen de se sentir bien, tant au niveau physique que psychique. En effet, les mouvements du corps demandent que l'on soit bien ancré pour pouvoir se pencher etc. De même, être bien ancré à chaque fois que l'on joue est important en vue du jeu en public d'abord parce que cela renvoie une image assurée de l'interprète mais aussi parce que cette habitude permet de retrouver les conditions habituelles de travail et de jeu pianistique. Pour simplifier on peut dire que l'on se sent comme à la maison. Cela enlève un poids de stress. Enfin pour les plus ouverts on peut aussi imaginer que cela permette de capter l'énergie vitale du sol et de la retransmettre au corps lorsque l'on joue. De même, lorsque l'on joue des pièces qui demandent de jouer des accords et des nuances fortes on placera son pied gauche sous le tabouret, sur les orteils de façon à pouvoir appuyer et donner de la force sans perdre l'équilibre et ainsi jouer aisément ces passages.
[modifier] La détente musculaire
Il est très important de relâcher tous ses membres lorsque l'on joue. En effet un poignet trop crispé peut entraîner des douleurs fréquentes au coude et même aux épaules. Le rehaussement des épaules est aussi un mauvais réflexe très courant chez les pianistes. Il entraîne une forte douleur dans le creux de l'épaule qui met du temps à se calmer.
Il est important de se tenir droit sous peine de crampes dans le bas du dos.
Un poignet relâché et un jeu partant de l'épaule permet un toucher plus agréable du clavier.
Une chose dont on ne parle pas assez est aussi la détente des muscles maxillaires ou plus simplement de la mâchoire, que certaines personnes tendues par la difficulté d'un morceau ont tendance à trop contracter, créant ainsi des tensions, ce qui a un mauvais effet tant sur l'interprète que sur la musique qu'il joue, car il n'est alors pas totalement détendu.
[modifier] Les difficultés techniques physiques du piano
[modifier] Le doigté
Le doigté consiste en l'art de choisir quel doigt jouera quelle note dans un passage donné. Un bon doigté permet à l'interprète de jouer un passage le plus confortablement possible, permettant ainsi d'interpréter ce passage comme il le désire avec la plus grande aisance. Le doigté dépend donc énormément de la physionomie de la main de l'interprète. Debussy ne mettait d'ailleurs pas de doigté dans la musique qu'il éditait. Comme il le dit dans la préface de ses douze études pour piano, c'est à l'interprète de découvrir quel doigté lui convient le mieux et non pas à l'éditeur d'influencer de quelque façon que ce soit le jeu du pianiste par un doigté suggéré.
Chopin, par contre, prescrivait certains doigtés car ils utilisaient selon lui des caractéristiques particulières à chaque doigt. Il recommandait les doigtés non seulement pour la facilité d'exécution, mais aussi en tant qu'aide à produire certaines qualités de timbre et de son. Il faut toutefois noter que ses doigtés sont considérés comme non-orthodoxes, et sont probablement influencés par le fait qu'il ait joué également de l'orgue.
[modifier] La vélocité
Elle vient avec l'expérience. Mais avant tout il faut être détendu, bien délier les doigts et s'échauffer. Et puis s'entraîner : faire des gammes ou des exercices dans des livres de références bien connus des pianistes tels que le déliateur.
[modifier] Les accords
On peut les jouer arpégés, c'est-à-dire enchaîner les notes rapidement les unes après les autres, ou bien plaqués : on joue toutes les notes d'un coup en utilisant plusieurs doigts de la main, le but étant alors de bien jouer les notes en même temps et de ne pas entendre une arpège. La difficulté réside dans la lecture simultanée de plusieurs notes et l'expérience permet d'y arriver. Mais souvent un déchiffrage préalable de la partition est nécessaire.
[modifier] L'équilibre sonore des deux mains
L’équilibre sonore des deux mains part d'un constat très simple : la majeure partie de la musique pour piano est écrite pour la main droite. Pourtant on utilise aussi sa main gauche, il faut donc trouver un équilibre. D'abord disons que la main gauche dans la majeure partie des cas est un accompagnement : accords, arpèges etc. qui ne doivent pas prendre le dessus sur la mélodie tenue par la main droite. Ensuite, certains morceaux ne rentrent pas dans ces catégories : les morceaux polyphoniques de type fugues, inventions à plusieurs voix, canons etc. qui nécessitent un travail des plans sonores minutieux. En effet, il s'agit de faire entendre ce que l'on doit faire entendre. On travaille alors voix par voix et ensuite on joue ensemble deux puis trois voix jusqu'à ce que l'on ait trouvé cet équilibre qui se fait en fonction des phrases, des enchaînements, des articulations et de notre propre sensibilité.
[modifier] Les difficultés techniques liées aux styles musicaux
[modifier] Les difficultés de la musique baroque : Bach
Il est important de savoir qu'une grosse partie de la musique pour piano (à l'origine pour clavecin) de Bach est très polyphonique et demande, pour pouvoir la jouer, de nombreuses heures de travail pour bien entendre et bien faire entendre les différentes voix qui la composent. Lorsque l'on travaille ce genre de morceaux, il faut veiller à avoir une bonne assise : pas trop haute, pas trop basse pour pouvoir bien sentir ce qui se passe au niveau des muscles des mains (ceux des bras sont nécessaires mais moins importants pour être précis). La musique de Bach demande une précision du doigté (à chercher intelligemment à chaque morceau) et du toucher que l'on peut acquérir en jouant assis, à l'aise, près du clavier les bras près du corps et en faisant de petits mouvements des bras (un peu comme Gould : voir ses entretiens et les livres sur sa technique). Les grands moulinets des bras et du buste ne sont pas nécessaires lorsque l'on joue de la musique de cette époque car ces mouvements sont liés à la musique romantique. Les instruments à clavier sur lesquels les musiciens jouaient à l'époque avaient des claviers dont l'étendue était moins importante que celle d'aujourd'hui, les morceaux ne requièrent donc pas de grands mouvements du corps pour accompagner la musique, mais de petits mouvements surtout au niveau des poignets, des mains et des doigts.
[modifier] Les difficultés de la musique classique : Mozart
Les œuvres pour piano de la période classique, c'est à dire celles de Mozart et Haydn en particulier, ne demandent pas l'assimilation d'une technique particulière. Il convient, pour être apte à jouer la majorité de ces pièces, de procéder à une étude régulière et approfondie des gammes et arpèges en particulier. On pourra compléter ce travail par l'étude des gammes en tierces, des arpèges brisés, de la basse d’Alberti, du trille… On retrouve en effet presque toujours les mêmes motifs techniques dans les œuvres classiques, avec, toutefois quelques articulations pouvant se révéler très difficiles. Il faudra alors travailler au cas par cas. Il est nécessaire, pour jouer Mozart et Haydn, de posséder un toucher clair, lumineux, et d'une extrême précision, que l'on obtiendra par l'étude des exercices énoncés ci-dessus. C'est par cette clarté qu'on pourra permettre un bon rendu de cette musique. Ce n'est pas pour rien que l'on dit que la musique de Mozart est la plus difficile. Elle est d'une écriture tellement simple que c'est là sa difficulté…
[modifier] Les difficultés de la musique romantique : Liszt
Les difficultés techniques des œuvres pour piano de la musique romantique résident principalement dans les besoins de leurs styles. Les pièces romantiques étant souvent très « bémolisées » (notamment chez Liszt ou Chopin qui apprécient ces tonalités auparavant peu employées), la difficulté technique réside dans l'appropriation d'un bon doigté lors du déchiffrage (dans certaines montées de la Rhapsodie hongroise n°2 de Liszt) et dans l'acquisition d'une bonne « gymnastique » des doigts (souplesse, dextérité et agilité), et surtout quand ces morceaux sont rapides — quel meilleur exemple que les Études d'exécution transcendante, de Franz Liszt ? Une bonne indépendance des mains est également nécessaire. Certaines œuvres de Chopin présentent un rythme binaire à la main droite et ternaire à la main gauche (par exemple le Nocturne Op.72, n°1), voire des groupes de 11 ou 20 notes à la main droite tandis que la main gauche joue des croches (Nocturne Op.9, n°1).
[modifier] Les difficultés de la musique impressionniste : Debussy
L'exécution d'une œuvre comme Clair de lune de la suite bergamasque demande une excellente complémentarité entre le jeux des deux mains, ainsi qu'une grande fluidité de la main gauche. Ceci doit s'articuler avec une modulation du rythme, qui ne doit pas être trop rapide, pas précipité. Comme on le retrouve dans la musique de Chopin, c'est surtout la frappe des notes douce, enrobée la plupart du temps, ou forte, moyennement forte, ou dure à certains endroits clé de la partition qui fait la différence et rend l'atmosphère de la pièce.
Cette section est vide ou n'est pas assez détaillée, votre aide est la bienvenue ![modifier] Les difficultés de la musique contemporaine : Ligeti
Cette section est vide ou n'est pas assez détaillée, votre aide est la bienvenue ![modifier] Les méthodes pour apprendre le piano
[modifier] Les compositeurs et la jeunesse : albums
[modifier] Jean-Sébastien Bach
Le Kantor de Leipzig a consacré de nombreuses petites compositions à l'éducation de ses enfants. Ces petites pièces en contrepoint sont de difficultés variables, mais abordent autant les difficultés techniques du clavier que les difficultés musicales.
- Petits préludes et fugues
- Le petit livre d'Anna Magdalena BACH
- Inventions à deux et trois voix
- Le Clavier bien tempéré
[modifier] Wolfgang Amadeus Mozart
Mozart n'a pas directement écrit de pièces pour la jeunesse, mais ses propres compositions d'enfant pourraient fort bien servir de pièces éducatives.
- Menuett KV 1 (1e) [1764]
- Menuett KV 2 [1762]
- Allegro KV 3 [1762]
- Menuett KV 4 [1762]
- Menuett KV 5 [1762]
- Allegro KV 9a [1764 ?]
- Klavierstück (Pièce de piano) KV 33B. Cette petite pièce est devenue célèbre grâce le film de Milos Forman Amadeus)
- Menuett KV 61 g II [1770]
- Menuett KV 94 [1769]
- Das Londoner Notebuch (Le carnet musical de Londres) KV Anhang 109 B Nr. 1 [1764]. Il s'agit d'un carnet musical du tout jeune Mozart, avec des compositions simples et variées.
[modifier] Robert Schumann
Robert Schumann a composé un recueil de pièces pour la jeunesse qui ont été souvent reprises dans les recueils des méthodes de piano, ainsi que quelques Sonates pour la jeunesse beaucoup moins connues.
- Album für die Jugend (Album pour la jeunesse), op. 68
- Klaviersonaten für die Jugend (Sonates pour la jeunesse), op. 118
On peut aussi conseiller à tous les musiciens de suivre ses petits conseils écrits à la fin de chacune des éditions de l'Album pour la jeunesse. Rappelons aussi que Schumann vénérait Bach et estimait que connaître le Clavier bien tempéré de Bach est un gage de qualité pour tous les pianistes.
[modifier] Piotr Ilitch Tchaïkovski
Inspiré par Schumann, le compositeur russe composa lui aussi un album pour la jeunesse en 24 pièces faciles.
- Album pour la jeunesse, op. 39
[modifier] Claude Debussy
Les 6 pièces pour enfants de Claude Debussy sont en réalité des pièces difficiles à bien interpréter, requérant une technique difficilement maîtrisable par un jeune pianiste. La première pièce du recueil Docteur Gradus ad Parnassum (pastiche impressionniste des exercices de Muzio Clementi) est cependant un excellent exercice pour les doigts et la régularité du son.
- Children's corner. Petite suite pour piano. L 113 [1908]
[modifier] Aram Khatchatourian
Ce compositeur russe arménien composa un recueil de 10 pièces pour la jeunesse un peu mélancoliques et de difficultés variables.
- Tableaux de l'enfance
[modifier] Sergueï Prokofiev
La musique de Prokofiev pour enfants n'est pas techniquement des plus faciles, mais permet une bonne introduction à son style musical.
- Musique pour enfants, douze pièces faciles, op. 65 [1935]
[modifier] Dmitri Chostakovitch
Dimitri Chostokovitch a composé un recueil de 7 danses dites « des poupées » qui sont parfaitement adaptées à un débutant. Ces pièces préparent également l'oreille d'un pianiste débutant à une approche harmonique moderne.
- Danse des poupées
[modifier] Béla Bartók
Avec Mikrokosmos et ses 153 pièces progressives réparties en 6 volumes progressifs, Béla Bartók, a mis en place un vaste projet pédagogique. Il passe en revue les problèmes techniques majeurs du piano (arpèges, octaves, gammes, phrasé, staccato, legato, etc.) et traite de tous les aspects sonores de la musique moderne (clusters, accords muets en résonance, dissonances, percussivité du piano, etc.). Les 3 premiers volumes sont destinés aux élèves débutants. Les pièces des volumes suivants (4 à 6) ne sont pas toujours d'un abord musical très facile, avec leurs fortes dissonances, leurs harmonies subtiles, leurs fréquents changements de mesure, leur tempo rapide, etc., mais permettent de se faire une bonne idée de la richesse musicale de la musique post-romantique.
- Mikrokosmos, volumes 1 à 6
- Pour les enfants, recueil de pièces pour piano en deux volumes. Le premier volume est basé sur des chansons hongroises, le second volume est basé sur des chansons slovaques.
[modifier] Les professeurs et les élèves : recueils et méthodes
Les manuels d'apprentissage du piano les plus courants sont des recueils de pièces sélectionnées par des pédagogues du piano en fonction de leur niveau de difficulté. La graduation de ces difficultés se fait de différentes manières :
- soit par l'indication du niveau estimé en termes de difficulté
- « très facile », « facile », « assez facile », « petite moyenne force », « moyenne force », « assez difficile », « difficile », « très difficile »
- soit par l'indication d'un niveau de classe de conservatoire français
- « Préparatoire 1 », « Préparatoire 2 », « Élémentaire 1 », « Élémentaire 2 », « Moyen 1 », « Moyen 2 », etc.
- soit tout simplement par une numérotation progressive indiquant un niveau de difficulté relatif
- Volume 1, volume 2, volume 3, volume 4, etc.
L'un des recueils qui a marqué l'enseignement du piano en France a été sans aucun doute Les classiques favoris de Théodore Lack, parus en 10 volumes aux Éditions Henri Lemoine. Ces volumes didactiques présentent des partitions largement annotées par l'éditeur et très précises du point de vue des nuances et du phrasé, sans oublier le doigté, les indications de pédales et de métronome. Contrairement à ce qu'annonce Théodore Lack en préface de cette méthode, le texte original des compositeurs n'y est pas toujours « scrupuleusement respecté », mais rend plutôt compte de la pédagogie musicale et de l'état de la recherche musicologique de l'époque. Il est à noter que, dans cette méthode, « les œuvres des grands Maîtres d'autrefois […] parmi les plus justement célèbres » s'étendent de François Couperin à Franz Liszt, en passant par des « grands maîtres » un peu moins « célèbres » tels que Dussek, Steibelt, Czerny, Hummel…
De nos jours, les recueils progressifs d'apprentissage du piano s'efforcent de proposer, à côté des grands maîtres classiques, des compositeurs modernes ou contemporains. C'est ainsi qu'on peut trouver dans les manuels récents des compositeurs comme Joaquin Turina, Arnold Schönberg, Luciano Berio, Bohuslav Martinu, Enrique Granados, Francis Poulenc, Emmanuel Chabrier, etc. À noter également le regain d'intérêt pédagogique pour les sonates de Domenico Cimarosa, surtout connu pour ses opéras.
[modifier] Les exercices techniques
Si les albums pour la jeunesse et les recueils didactiques abordent les difficultés techniques du piano au travers d'œuvres musicales de qualité, certains pédagogues ont préféré isoler les difficultés techniques et les extraire de tout contexte musical et de toute notion d'interprétation.
L'un des recueils les plus célèbres dans cette perspective est sans aucun doute :
- Le pianiste virtuose en 60 exercices, calculés pour acquérir l'agilité, l'indépendance, la force et la plus parfaite égalité des doigts ainsi que la souplesse des poignets de C. L. Hanon.
Ces exercices visent à concentrer en un volume toutes les difficultés auxquelles peut être confronté un pianiste dans les œuvres des maîtres : gammes dans tous les tons majeurs et mineurs, arpèges, octaves, octaves brisés, tierces, sixtes, passages des pouces, tremolo, trille simple, trille double, trille quadruple, etc. ! C'est donc l'œuvre d'un pur technicien. Si beaucoup de professeurs et d'élèves doutent des vertus pianistiques de ce type d'exercices, d'autres savent les utiliser à bon escient pour entretenir l'articulation des doigts et la régularité de l'attaque.
Dans ce domaine, un grand compositeur s'est également livré à ce type d'abstraction technique : Johannes Brahms. Dans ses :
- 51 exercices pour le piano
Le compositeur allemand confronte le pianiste à des difficultés techniques ponctuelles, isolées de tout contexte musical, à répéter sur toute la gamme chromatique.
[modifier] Les études de virtuosité
Comme leur nom l'indique ces études sont destinées aux musiciens virtuoses mais on peut néanmoins en jouer certaines lorsque l'on a un niveau assez élevé. Bien sûr, pas comme Horowitz ou Pollini mais il est possible de s'attaquer aux opus 10 et 25 de Chopin après avoir acquis un niveau technique et musical suffisant, par exemple. On peut aussi écouter celles de Liszt, de Scriabine, de Rachmaninov. Certaines sont tellement belles qu'elles sont devenues de véritables morceaux de concert.
[modifier] Les écrits sur la technique du piano
[modifier] Les grands compositeurs-pianistes
Sergueï Rachmaninov, compositeur et interprète de talent (il a notamment interprété des œuvres de Liszt en public), compose en 1909 son troisième concerto pour piano, réputé pour sa difficulté « diabolique »).
[modifier] Les grands interprètes du piano
- Voir la liste des pianistes classiques.
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