Música docta
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La música docta surge en Europa como expresión artística y cultural. Sus inicios escritos se remontan a la época medieval, pero toma reminiscencias de la música de otras culturas como Egipto, Mesopotamia, y sobre todo la antigua Grecia -ya que los romanos dieron poca importancia a la música- desde la que fue evolucionando a través de numerosas y heterogéneas épocas, hasta la época contemporánea.
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[editar] Denominación
La definición de este tipo de música se basa en la contraposición entre la música popular y la generada por compositores académicos.
Los musicólogos ya no utilizan la denominación "música clásica", que se refiere exclusivamente a la música del Clasicismo (entre 1750 y 1810, aproximadamente), cuyos principales exponentes fueron Mozart, Haydn y Beethoven.
Tampoco ningún erudito dice "música culta" (porque implicaría considerar a la música popular como "inculta"). Cultura no es el acopio de información acerca de la civilización occidental sino todo aquello que caracteriza a cualquier grupo humano.
Ahora cada vez más autores utilizan los términos "Música docta" o "música académica", que les permite contraponerla al término "música popular" sin matices peyorativos.
[editar] Notación musical
El comienzo de la notación musical fue un acontecimiento por el cual podemos escuchar interpretaciones de las músicas de tiempos lejanos y cercanos, lo que asegura una permanencia de estas. Son numerosas las obras que se perdieron antes de la aparición e instauración definitiva de la notación musical (por perderse las músicas de la prehistoria, salvo unas pocas excepciones las de las civilizaciones antiguas occidentales (sin contar las otras civilizaciones) y también mucha en el medioevo.
Sea como fuere no se anotaron los matices de las obras y las indicaciones precisas hasta después del medioevo y no lo fueron hasta unos niveles más o menos altos de precisión hasta el romanticismo, por lo cual las interpretaciones que se hacen de muchas obras se sacan de textos que hablan de ellas (de filósofos, escritores, historiadores), de los pensamientos de la épocas, por lo cual son sólo suposiciones de como sonaba esa música, así que nunca sabremos si la interpretación dada es la correcta, pues podría ser totalmente distinta. (Esto es aplicable sólo en la música anterior al Renacimiento).
En el siglo XX existió una corriente, el serialismo integral, que aplicaba de manera obsesiva diferentes matices a cada una de las notas de una obra. En contraposición se encontraba la música aleatoria, que daba libertad absoluta al intérprete, pudiendo parecer una misma obra escuchada por dos intérpretes distintos, otra totalmente distinta.
[editar] Historia de la Música Occidental
La música —al igual que otras artes y ciencias— ha dependido de las costumbres de cada época y cada pueblo. Haciendo un resumen conciso podemos destacar varias etapas:
[editar] Prehistoria
No se disponen de testimonios escritos, si bien hay varias disciplinas musicales dentro de la musicología sistemática y otras ajenas (como la etnología, la antropología, la etnomusicología, la arqueología, la organología [estudio de los instrumentos musicales], la iconografía, la sociología, la psicología y la parahistoria) que se encargan de investigar instrumentos y costumbres, muchas veces analizando en las tribus indígenas actuales. También entran dentro de este estudio las músicas de la prehistoria y las músicas de las antiguas civilizaciones de medio oriente.
[editar] Antigüedad
Mesopotamia, Egipto, Grecia y Roma son las principales exponentes, si bien Grecia es la mayor, sobre todo porque la música docta europea se influencia directamente. Se conservan escasísimos documentos escritos de ella, como el Epitafio de Seikilos. Es el comienzo de las teorías de la música. La música en esta época era considerada como una ciencia, junto con la astrología, por ejemplo.
En esta época y hasta el Barroco (1600-1750) se utilizará la armonía modal, donde no hay tendencias claras hacia una nota en particular ni se trata de crear a lo largo de la obra un juego de tensión-reposo. Hasta el S. XII más o menos sólo habrá música monofónica (es decir que a lo largo de la obra sólo se escucha una melodía sin acompañamiento).
[editar] Música medieval
Esencialmente religiosa, pero comenzará a experimentar una orientación más laica. Hasta la música barroca continuo siendo muy religiosa. Paulatinamente se fue mermando ese influjo aunque siempre siguió existiendo la música religiosa. Hay que distinguir anteriormente entre la música a interpretar en las celebraciones litúrgicas (música litúrgica) y la que no es para estos actos (música religiosa). Aparte estaba la música profana, sin ninguna conexión con la religión.
[editar] Renacimiento
Es la época que va aproximadamente desde 1450 hasta 1600. La primera ópera conservada es Eurídice de Jacobo Peri. Comienza una gran proliferación de compositores. En España Tomás Luis de Victoria es el mayor exponente.
[editar] Barroco
Se llama música barroca a la que se componía aproximadamente entre 1600 (composición de la primera ópera, antes mencionada), hasta 1750 (año de la muerte de Johann Sebastian Bach). Se caracteriza sobre todo por el comienzo y desarrollo de la armonía tonal, y por el contrapunto. Se busca el contraste forte-piano (fuerte-suave). Los más grandes exponentes de la música barroca son Bach, Haendel, Vivaldi, Telemann y Rameau.
El rococó surgió después del barroco y antes del clasicismo. En esa época los músicos más famosos eran los hijos de Bach: Carl Philipp Emmanuel (en Alemania) y Johann Christian (que marchó a Inglaterra y relativamente tuvo menor importancia que su hermano).
[editar] Romanticismo
Aproximadamente comienza a haber música romántica entre 1797 (nacimiento de Schubert) y 1874 (la finalización del Anillo de los Nibelungos de Richard Wagner). Se distingue por un uso mayor de la melodía y una armonía mucho más compleja y expresiva. La extremada moderación del clasicismo da paso a la vibrante expresión de los sentimientos, especialmente mediante una complejización de la armonía. El precursor del romanticismo fue Ludwig van Beethoven, quien está a caballo entre la música clásica y la romántica.
Consta de tres etapas principales:
Primer romanticismo: se vislumbran muchas coincidencias entre el clasicismo y el romanticismo (no hay sentimientos exacerbados): Beethoven (últimas obras), Schubert, Mendelssohn, Schumann y Berlioz.
Nacionalismo: aparecen elementos de la música popular y el folclore de cada nación introducidos en la música de los compositores. su mejor ejemplo es Chopin.
Posromanticismo: sentimientos exacerbados, complejas armonías (donde también entrarían las últimas obras de Wagner), agotamiento de la capacidad de la música tonal, por la que se pasará a las tendencias del S. XX del atonalismo... Bruckner y Mahler sobre todo son los máximos representantes, entrando con varias obras impresionantes también dentro de un lenguaje tonal, posromántico, Schönberg, antes de su posterior época atonal.
[editar] Música Contemporánea
Desde fines del siglo XIX y principios del XX existen corrientes musicales que comienzan a separarse de la tradición de la tonalidad, en la que se basó toda la música desde el Barroco. Ya no se las llama "música contemporánea" porque se supone que sólo se debe llamar así a la que se está produciendo en la actualidad más próxima:
Impresionismo (que no resuelve las tendencias resolutivas de la tonalidad, con tensión y reposo tonal), con Claude Debussy, Maurice Ravel y Erik Satie como mayores exponentes).
Expresionismo: su máximo representante y precursor es Arnold Schoenberg junto con sus discípulos Alban Berg y Anton Webern). Estos trabajaron primero el atonalismo libre (completa desligación de la tonalidad) y luego el dodecafonismo (o serialismo dodecafónico, que —evitando resoluciones tonales y atracciones hacia una nota tónica principal— utiliza una serie con todos los 12 sonidos de la escala cromática occidental).
Serialismo integral (parecido al serialismo dodecafónico pero ampliando el concepto de "serie" a otros parámetros, como intensidad, duración y timbre. Sus exponentes más conocidos son Pierre Boulez, Karlheinz Stockhausen y Luigi Nono.
Música aleatoria: en contraposición al serialismo integral, en esta "música al azar" el intérprete goza de libertad en la ejecución de alturas, duraciones, ritmos, intensidades y articulaciones. Por supuesto el ejecutante se debe mantener dentro de los cánones de la atonalidad: nunca se debe escuchar una tonalidad principal, lo que se logra mediante una continua modulación y evitando repetir o polarizar ninguna nota). La música resultante es aparentemente muy parecida a la del serialismo integral (que es bastante enrevesada su ejecución).
Bitonalidad y politonalidad: superpone dos o más armonías a la vez. La exponen compositores como Milhaud y Montsalvatge.
Música tímbrica: está basada en la investigación de nuevos timbres, una utilización diferente de instrumentos ya existentes y la invención de nuevos instrumentos.
Neoclasicismo: después de la Segunda Guerra Mundial, en contraposición al atonalismo de principios de siglo, hay un regreso a la música clásica (del clasicismo de Haydn y Mozart, en el s. XVII), al uso del bajo como base armónica, junto con la vuelta al contrapunto modal a la clara (aunque muy disonante) armonía tonal. Sus principales exponentes son Igor Stravinski y Paul Hindemith)
Realismo soviético: el dictatorial régimen estalinista no se permitían creaciones que no fueran entendibles por el pueblo y se exigía la presencia de valores folclóricos y tradicionales. Aun así los compositores (como Shostakovich, Prokófiev y Kachaturian) rompen esta regla en numerosas ocasiones, aunque nunca en demasía.
Música electrónica: surgida en la década del cincuenta, con el uso de osciladores electrónicos. No confundir con la "música pop electrónica" (de los años ochenta, posterior al rock, de guitarras eléctricas, etc.), ni con la creada por un ordenador o secuenciador al necesitarse una velocidad y exactitud imposible para un intérprete humano).
Música concreta: utilizaba como soporte una cinta magnetofónica. Su materia prima eran los sonidos grabados con un micrófono, y luego manipulados electrónicamente (con reverberación, cambio de velocidad) y mezclados (recortando y haciendo un collage con los trozos de cinta).
Música electroacústica música que funde las dos tradiciones de la creación musical pura, sin intérpretes, de mediados del siglo XX: la electrónica y la concreta.
[editar] Géneros musicales
- Música vocal (que se contrapone a la música instrumental): coral, órganum, motete, madrigal, ochote, canción, lied. Puede estar incluida en sinfonías, en música sacra, de cámara o escénica.
- Música sacra (que principalmente es vocal): misa, oratorio, pasión, réquiem, cantata.
- Música de cámara: trío, cuarteto, quinteto.
- Música sinfónica: sinfonía (que utiliza la forma sonata), poema sinfónico, suite, serenata, concierto.
- Música de piano (u otros instrumentos): sonata de varios movimientos (como el scherzo o el minué), variaciones, fantasía, nocturno, impromptus, preludio.
- Música de danza: minué, minueto, sarabanda, giga, vals, ballet, suite.
- Música escénica: ópera, opereta, zarzuela, ballet, musical, revista.
