Steve Reich

De Wikipedia, la enciclopedia libre

Tienes mensajes nuevos (Dif. entre las dos últimas versiones).

Steve Michael Reich (3 de octubre de 1936) es un compositor estadounidense. Reich es conocido por ser uno de los pioneros del minimalismo, aunque a veces él se desvía de un estilo minimalista puro. Las ideas que Reich ha desarrollado incluyen loops con cintas para para crear patrones de fases (tal como sus primeras obras, It's Gonna Rain, Come Out); y usando procesos para crear y explorar conceptos musicales (Pendulum Music, Four Organs). Estas composiciones, marcadas por su uso de figuras y de efectos de fase repetidos, han tenido una importante influencia en la música contemporánea americana así como en la música contemporánea en su totalidad; The Guardian ha descrito a Reich como uno de los pocos compositores que "alteró la dirección de la historia de la música". En el año 2006 ha sido premiado con el Praemium Imperiale.

[editar] Biografia

[editar] Años de estudio

Steve Reich nació en la ciudad de Nueva York. Cuando solo tenia un año, sus padres divorciaron, y Reich dividió su tiempo entre Nueva York y and his mother's new home in Los Angeles California. Cuando era niño le dieron lecciones de piano y las describe como crecer con los “favoritos de la clase media”, no habiendo oído ninguna música escrita ni antes de 1750 ni después de 1900. A los catorce años, comenzó a estudiar, para tocar jazz, percusión con Roland Kohloff, un músico local que más tarde sería timpanista de la «New York Philharmonic Orchestra». Reich posteriormente mantuvo activo varias bandas de jazz durante sus años de la High School (secundaria). Durante este período también amplio sus intereses musicales al incluir formas musicales del período barroco (y anteriores), así como también música del siglo XX. Ingresó en la Universidad de Cornell y siguió algunos cursos de música, pero se graduó en 1957 con un B.A. en Filosofía. La tesis de B.A. de Reich fue sobre Ludwig Wittgenstein. Más adelante usaría textos suyos en la música en Proverb (1995) y You Are (variaciones) (2004).

El año que siguió a su graduación estudió en privado composición con Hall Overton y luego ingresó en la Juillard School of Music, donde Overton era un miembro del profesorado. Trabajó con William Bergsma y Vincent Persichetti (1958 a 1961). Luego siguió sus estudios en el «Mills College» en Oakland, en donde estudió con Luciano Berio (Reich compuso una pieza de estudiante para orquesta de cuerdas) y Darius Milhaud (1961-63) y obtuvo, en 1963, un máster en composición musical (M.A.).

Reich trabajó con el «San Francisco Tape Music Center», junto con Pauline Oliveros, Ramon Sender, Morton Subotnick y Terry Riley participo en el estreno de In C, de Riley y sugirió el uso del pulso de la octava nota que ahora es habitual en la ejecución de la obra).

[editar] Procedimientos musicales y minimalismo

Los primeros intentos compositivos de Reich implicaron la experimentación con la composición docecafónica, pero encontró los aspectos rítmicos de la serie más interesantes que los aspectos melódicos [1]. Reich, por esa época, también compuso las bandas sonoras de dos películas de Robert Nelson: The Plastic Haircut y Oh Dem Watermelons. La banda sonora de Oh Dem Watermelons, compuesta en 1965, era basicamente un trabajo de cinta, usando repetidamente frases junto con un gran canon en cinco partes.

Mientras aún vivia en la costa oeste, Reich interpreto a veces con un conjunto organizado por Riley; después de volver a Nueva York en 1966 formó su propio grupo con el Art Murphy y Jon Gibson, y comenzó a aplicar la técnica de posición en fase de sus pedazos de la cinta al funcionamiento vivo.

Reich fue influenciado por el compañero minimalista Terry Riley, cuya estructura libremente aleatoria de la obra In C, combina patrones musicales simples, desiguales en tiempo, para crear lentamente un cambio, totalmente integrado. Reich adoptó este acercamiento para componer su primer trabajo importante, It's Gonna Rain (Va a llover). Escrito en 1965, It's Gonna Rain usa una grabación de un sermón sobre el fin del mundo del predicador de los Black Pentecostal, el hermano Walter. Reich construyo su primera obra en cinta, transfiriendo el sermón a los a múltiples lazos tocados dentro y fuera de fase, con segmentos de sermón cortados y arreglados

La pieza de 13 minutos Come Out (1966) usa grabaciones, también manipuladas, de una sola línea hablada dicha por un superviviente herido en un conflicto racial. El superviviente, que había sido abatido, pinchó una contusión en su propio cuerpo para convencer a la policía sobre sus golpes. La línea hablada incluye la frase “dejó la sangre de la contusión salir para demostrárselo.” ("to let the bruise blood come out to show them."). Reich regrabo el fragmento “salir para demostrárselo” ("come out to show them") en dos canales, que se tocan inicialmente al unísono, pero que rápidamente se desincronizan; la discrepancia se ensancha y se convierte gradualmente en una reverberación. Las dos voces, en un bucle continuado, se dividen en cuatro, después en ocho, y continúan dividiéndose hasta que las palabras reales ya son ininteligibles, dejando al oyente, solamente, con el discurso de los patrones rítmico y tonales.

Un ejemplo similar de procedimiento musical es Pendulum Music (1968), que consiste en el sonido de varios micrófonos oscilando sobre los altavoces a los que están unidos, produciendo una retroalimentación («feedback») mientras lo hacen. (Pendulum Music fue grabada por Sonic Youth a finales de los años 1990.)

[editar] Los años 70

En 1966 Steve Reich fundó su propio conjunto de tres músicos, que vinieron rápidamente 18 miembros o más. Desde 1971, Steve Reich and Musicians han viajado con frecuencia por todo el mundo, y han actuado en lugares tan diversos como Carnegie Hall y Bottom Line Cabaret.

La obra prototipo de 1967, Slow Motion Sound, nunca fue interpretada, pero la idea que introdujo de retrasar un sonido grabado hasta que muchas veces su longitud original sin tonos cambiantes o timbre fue aplicada en Four Organs (1970), que se ocupa específicamente del aumento. La obra tiene maracas tocando un pulso rápido de corcheas, mientras que los cuatro órganos tensionan ciertas corcheas usando un acorde de oncenas. Este trabajo por lo tanto se ocupó de la repetición y del cambio rítmico sutil. Es único en el contexto de otras obras de Reich en ser lineal en comparación con obras cíclicas como sus trabajos anteriores —que la superficialmente similar, Phase Patterns, también para cuatro órganos pero sin maracas, es (como el nombre sugiere) una obra de fase similar a otras compuestas durante el período. Four Organs fue interpretada como parte de un programa de la Boston Symphony Orchestra, y fue la primera composición de Reich que se estreno en un formato tradicional grande.

En el verano de 1970, con la ayuda de una beca del instituto para la educación internacional, Reich estudió percusión en el «Institute for African Studies» en la Universidad de Ghana en Accra. Durante cinco semanas, aprendió con el maestro percusionista Gideon Alerwoyie. En 1973 y 1974 estudió «Balinese Gamelan Semar Pegulingan» y «Gamelan Gambang» con I Nyoman Sumandi en la «American Society for Eastern Arts» en Seattle y en Berkeley, California.

De su experiencia africana, así como de los estudios de A. M. Jones, Studies in African Music, acerca de la música del pueblo Ewe, Reich sacó la inspiración para su obra de 90 minutos, Drumming, que compuso poco después su vuelta. Compuesta para un conjunto de 9 percusionistas con voces femeninas y flautín, Drumming marcó el principio de una nueva etapa en su carrera, porque alrededor de ese tiempo formó su propio conjunto, Steve Reich and Musicians, y se concentró cada vez más en la composición y en la interpretación con ellos. Steve Reich and Musicians era ser el conjunto único para interpretar sus trabajosdurante muchos años, todavia permanece activo con muchos de sus miembros originales.

Después de Drumming, Reich se movió dentro de la técnica del “desplazamiento de fase” ("phase shifting" ) que él había iniciado, y comenzó a escribir piezas más elaboradas. Investigó otros procedimientos musicales como el aumento (augmentation) (el alargarmiento temporal de frases y fragmentos melódicos). Por esta época escribió trabajos tales como Music for Mallet Instruments, Voices and Organ (1973) y Six Pianos (1973).

En 1974, Reich comenzó a escribir lo que llamarían muchos su trabajo seminal, Music for 18 Musicians (Música para 18 músicos). Esta pieza implicó muchas nuevas ideas, aunque algunas ya escuchadas en piezas anteriores. La obras se basa alrededor de un ciclo de once acordes introducidos al principio, seguido por un pequeña pieza de música basada en cada acorde, y finalmente de una vuelta al ciclo original. Las secciones se nombran conveniente, "Pulses", Section I-XI, and "Pulses" . Este fue el primer intento de Reich en escribir para conjuntos más grandes.

El número creciente de ejecutantes dio lugar a más alcance para los efectos psycho-acústicos, que fascinaron a Reich, que anotó que le gustaría quisiera “explora esta idea más lejos”. ( "explore this idea further"). Reich comentó que este trabajo contenía mas movimiento armónico en los primeros cinco minutos que cualquier otro trabajo que él hubiera escrito. La grabación de Reich de este trabajo fue el primer lanzamiento en el sello ECM, en la "New Series".

A partir de 1976, y sobre todo el año 1977, estudió las formas tradicionales de cantillation (el cantar) de los scriptures hebreos en Nueva York y Jerusalén.

Reich exploró estas ideas más lejos en su con frecuencia grabada pieza, Music for a Large Ensemble (1978) y Octet (1979). En estos dos trabajos, Reich experimentó con “la respiración humana como la medida de duración musical… los acordes tocados por las trompetas se escriben para que el músico pueda respirar cómodamente” (notas del CD Music for a Large Ensemble). Las voces humanas son parte de la gama de colores musical en Music for a Large Ensemble, pero la parte vocal muda simplemente forma parte de la textura (como hacen en Drumming). Con Octet y sus primeras variaciones de orquesta, Variations for Winds, Strings and Keyboards (también 1979), la música de Reich demostró la influencia de Cantillation bíblico, que había estudiado en Israel desde el verano de 1977. Después de esto, la voz humana que canta un texto desempeñaría un papel cada vez más importante en la música del Reich.

La técnica […] consiste en el tomar de patrones melódicos preexistentes y el encadenar de ellos juntos para formar una melodía más larga en el servicio de un texto santo. Si quitas el texto, te dejan con la idea de poner juntos motivos pequeños para hacer melodías más largas - una técnica que no había encontrado antes. (The technique […] consists of taking pre-existing melodic patterns and stringing them together to form a longer melody in the service of a holy text. If you take away the text, you're left with the idea of putting together small motives to make longer melodies - a technique I had not encountered before.) [2]

En los últimos años 1970 Reich publicó un libro, "Writings About Music", conteniendo ensayos con su filosofía, estética, y proyectos musicales escritos entre 1963 y 1974. Una colección actualizada, "Writings On Music (1965-2000)", fue publicada en 2002.

[editar] Los años 80

El trabajo de Reich adquirió un carácter más oscuro en los años 80 con la introducción de temas políticos así como temas de su herencia judía. Tehillim (1981), hebreo para los salmos, es el primer de los trabajos de Reich que dibuja explícitamente su fondo judío. El trabajo está en cuatro partes, y se anota para un conjunto de cuatro voces de mujeres (soprano alto, dos sopranos líricos y un alto), flautín, flauta, oboe, corno inglés, dos clarinetes, seis percusionistas (que tocan pequeños tambourines templados sin cascabeles, aplausos, maracas, marimba, vibráfono y crótalos), dos órganos electrónicos, dos violines, viola, violoncelo y bajo doble, con voces amplificadas, cuerdas y vientos. Un conjunto de textos de los salmos 19:2 - 5 (19: 1-4 en traducciones cristianas), 34:13 - 15 (34: 12-14), 18:26 - 27 (18: 25-26), y 150:4 - 6, Tehillim, con su estructura formal, es un punto de partida para otros trabajos de Reich. ; el ajuste de textos varias líneas desea más bien que los fragmentos utilizaron en melodía de las marcas de los trabajos previos un elemento substantivo. El uso del contrapunto formal y de la armonía funcional también pone en contraste con los trabajos libremente estructurados del minimalista escritos previamente. Different Trains (Diversos trenes) (1988), para el cuarteto de cuerdas y cinta, utilizan discurso registrado, como en sus trabajos anteriores, pero esta vez como melódico más bien que un elemento rítmico, después del ejemplo anterior de Juan de Scott Johnson alguien (1978). En Different Trains Reich compara y contrasta sus recuerdos de la niñez de sus viajes de tren entre Nueva York y California en 1939-1941, con los diversos trenes contemporáneos que fueron utilizados para transportar a los niños europeos a su muerte bajo el régimen nazi. La grabación del «Kronos Quartet» de Different Trains fue premiada con el Grammy a la mejor composición contemporánea clásica en 1990.

[editar] Nuevas direcciones

Teniendo ya una reputación internacional como compositor importante a principios de los años 90, Steve Reich se encontró en una posición para emprender proyectos multi-media mucho más elaborados y ambiciosos. En 1993, Reich colaboró con su esposa, la artista de video Beryl Korot, en una ópera, The Cave (La cueva), la ópera ofreció la proyección de vídeo en 5 pantallas de vídeo enormes y un conjunto de 18 músicos. en la que explora las raíces del judaísmo, del cristianismo y del Islam mediante palabras de israelíes, palestinos y americanos, repetidas musicalmente por el ensemble. El trabajo, para percusión, voces y cuerdas es un documental musical, realizado para la Cave of Machpelah en Hebron, donde hay ahora una mezquita y dicen que Abraham fue enterrado.

En los años siguientes, Reich compuso varias obras de reducida escala -Duet (1993), Nagoya Marimbas (1994), Know What Is Above You (sabe que está sobre ti) (1999), entre otras- y la obra para gran conjunto, City Life (1995) que integraron el uso de muestrear tecnología dentro de un marco de la instrumentación convencional.

En 1994 Steve Reich fue elegido miembro de la American Academy of Arts and Letters, en 1995 de la Bavarian Academy of Fine Arts, y, en 1999, le nombraron Commandeur de l'ordre des Arts et Lettres. El año 2000 trajo cinco honores adicionales: el Premio Schuman de la Columbia University, la Montgomery Fellowship del Dartmouth College, el Lectureship del regente en la Universidad de California en Berkeley, un doctorado honorario del California Institute of the Arts y fue nombrado Compositor de música americano del año. (Musical America's Composer of the Year.)

Los dos colaboraron otra vez en la ópera Three Tales (Tres cuentos) (2002), que se refiere a diversos progresos científicos del siglo anterior, al desastre de Hindenburg, la prueba de armas nucleares en el Atolon de las Bikinil, y otras preocupaciones más modernas, específicamente Dolly the sheep, sobre la clonación y la singularidad tecnológica.

Así como piedas usando técnicas de muestreo (sampling techniques), como Three Tales y City Life (1994), Reich también volvió a componer trabajos puramente instrumentales para las salas de concierto, comenzando con Triple Quartet (1998) escrito para el cuarteto Kronos que puede ser interpretada tanto para cuarteto de cuerdas y cinta (tres cuartetos de cuerda) o por una orquesta de 36 instrumentos. Según Reich, la obra está influenciada por Bartók y los cuartetos de cuerda de Alfred Schnittke. Esta serie continuó con Dance Patterns (Patrones de danza) (2002), Cello Counterpoint (Contrapunto para violoncello) (2003), y la serie de trabajos centrados en las variaciones: You Are (Variations) (2004), un trabajo que vuelve de nuevo a la escritura vocal de obras como Tehillim o The Desert Music (Música del desierto), Variations for Vibes, Pianos, and Strings (2005, para la London Sinfonietta) y las Daniel Variations (2006).

En una entrevista muy reciente en «The Guardian», Reich indicó que continúa siguiendo esta dirección con una obra todavia sin nombre encargada por eighth blackbird, un conjunto americano, que consiste en un quinteto instrumental (flauta, clarinete, violín o viola, violoncelo y piano) de la obra Pierrot Lunaire (1912) de Schoenberg, más percusión. Reich piensa que volverá otra vez con la cinta, y también que está pensando en Agon de Stravinsky (1957) como modelo para la escritura instrumental.

[editar] Influencias

El estilo de composición de Reich ha influido a muchos otros compositores y grupos musicales, entre ellos a Philip Glass (especialmente en sus primeras obras), John Adams, la banda de rock progresivo King Crimson, el guitarrista de New Age Michael Hedges, el músico electrónico y de arte-pop Brian Eno, los compositores asociados con el festival Bang on a Can (entre ellos David Lang, Michael Gordon y Julia Wolfe), y el músico de rock indie Sufjan Stevens. Su música también ha sido una fuente de inspiración para los músicos de Ambient y Techno. Una línea melódica de su obra de 1987 Electric Counterpoint fue utilizada por The Orb en su Little Fluffy Clouds de 1991. Esta conexión ha sido honrada en un álbum de 1999 por DJs y músicos electrónicos, Reich Remixed, editado por Nonesuch Records. John Adams ha comentado:

“él no reinventó la rueda, pero nos ha mostrado una nueva manera de montar.” ("He didn't reinvent the wheel so much as he showed us a new way to ride." — [3]

También ha influenciado a artistas visuales como Bruce Nauman, y ha expresado su admiración por el montaje que la coreógrafo Anne Teresa De Keersmaeker hace con sus obras..

Reich a menudo cita a Pérotin, J.S. Bach, Debussy y Stravinsky como los compositores que admira, de cuya tradición deseaba formar parte cuando era un joven compositor. El jazz es una parte importante en la formación del estilo musical de Reich, y dos de las primeras influencias en su obra fueron las vocalistas Ella Fitzgerald y Alfred Deller, cuyo énfasis en las capacidades artísticas de la voz sola con poco vibrato y otras alteraciones, fue una inspiración en sus primeras obras. El estilo de John Coltrane, que Reich ha descrito como "tocando muchas notas con pocas armonías" ("playing a lot of notes to very few harmonies"), también tuvo un impacto; de particular interés fue el álbum (música)|álbum]] Africa/Brass, que "era básicamente media hora en Fa" ("was basically a half-an-hour in F." )[4]. La influencia del jazz incluye sus raices, y Reich también estudió la música de Africa del oeste en sus lecturas y en una visita que hizo a Ghana. Otras influencias importantes fueron Kenny Clarke y Miles Davis, y y otros artistas visuales amigos suyos como Sol Lewitt y Richard Serra.

[editar] Sobre si mismo

Condujé un taxi en San Francisco, y en Nueva York trabajé como trabajador social por horas. Phil Glass y yo de teníamos una compañía móvil por un período corto de tiempo. Hice todas clase de trabajos impares [...] comencé a hacer una vida como ejecutante en mi propio conjunto. Nunca habría pensado que era cómo iba a sobrevivir financieramente. Era una completa maravilla “ ([...] I drove a cab in San Francisco, and in New York I worked as a part-time social worker. Phil Glass and I had a moving company for a short period of time. I did all kinds of odd jobs [...] I started making a living as a performer in my own ensemble. I would never have thought that it was how I was going to survive financially. It was a complete wonder.") — De una entrevista con Gabrielle Zuckerman, 2002 [4].

El punto es, si fuiste a París y cavaste encima de Debussy y dicho, “Excusez-moi Monsieur… eres un impresionista?” él diría probablemente “Merde!” y volveria a su sueño. Ésa es una preocupación legítima de los musicologos, de historiadores de la música, y de periodistas, y es una manera conveniente de referirme, Riley, Glass, La Monte Young [...] que se convierte en el estilo dominante. Pero, cualquiera que ha interesado en Impressionism francés está interesado en cómo diverso Debussy y enmarañamiento y Satie ser-y ídem para qué se llama minimalism. [...] Básicamente, esa clase de palabras se toman de la pintura y de la escultura, y se aplican a los músicos que compusieron en el mismo período que esa pintura y escultura fueron hechas [...]. ( The point is, if you went to Paris and dug up Debussy and said, 'Excusez-moi Monsieur…are you an impressionist?' he'd probably say 'Merde!' and go back to sleep. That is a legitimate concern of musicologists, music historians, and journalists, and it's a convenient way of referring to me, Riley, Glass, La Monte Young [...] it's become the dominant style. But, anybody who's interested in French Impressionism is interested in how different Debussy and Ravel and Satie are—and ditto for what's called minimalism. [...] Basically, those kind of words are taken from painting and sculpture, and applied to musicians who composed at the same period as that painting and sculpture was made [...].) — De una entrevista con Rebecca Y. Kim, 2000 [5]

Todos los músicos en el pasado, comenzando con las edades medias estaban interesados en música popular. (...) La música de Béla Bartók se hace enteramente de fuentes de música tradicional húngara. E Igor Stravinsky, aunque él mintió sobre ella, utilizó todas las clases de fuentes rusas para sus ballets clásicos tempranos. La gran obra maestra Dreigroschenoper de Kurt Weill está utilizando el cabaret-estilo de la república de Weimar y ésa es porqué es tal obra maestra. Arnold Schoenberg y sus seguidores (...) crea (d) una pared artificial, que nunca existió antes de él. En mi generación rasgamos la pared abajo y ahora estamos de nuevo a la situación normal, por ejemplo si Brian Eno o David Bowie viene a mí, y si los músicos populares remezclan mi música como el orbe o El DJ Spooky él son una buena cosa. Esto es una manera histórica regular normal natural. (All musicians in the past, starting with the middle ages were interested in popular music. (...) Béla Bartók's music is made entirely of sources from Hungarian folk music. And Igor Stravinsky, although he lied about it, used all kinds of Russian sources for his early ballets. Kurt Weill's great masterpiece Dreigroschenoper is using the cabaret-style of the Weimar Republic and that's why it is such a masterpiece. Arnold Schoenberg and his followers (...) create(d) an artificial wall, which never existed before him. In my generation we tore the wall down and now we are back to the normal situation, for example if Brian Eno or David Bowie come to me, and if popular musicians remix my music like The Orb or DJ Spooky it is a good thing. This is a natural normal regular historical way) — De una entrevista con Jakob Buhre [6]

Notas 1. ^ Malcolm Ball, on Steve Reich 2. ^ K. Robert Schwarz, Minimalists, Phaidon Press 1996, p.84 and p.86 3. ^ "…For him, pulsation and tonality were not just cultural artifacts. They were the lifeblood of the musical experience, natural laws. It was his triumph to find a way to embrace these fundamental principles and still create a music that felt genuine and new. He didn't reinvent the wheel so much as he showed us a new way to ride." See for instance, "New" American classical music. Retrieved on October 25, 2006. 4. ^ a b Steve Reich Interview with Gabrielle Zuckerman, July 2002 5. ^ http://www.stevereich.com www.stevereich.com 6. ^ Steve Reich: We tore the wall down Planet Interview (August 14, 2000), Accessed September 20, 2006 7. ^ *Reich, Steve (1975 (New Edition)). Writings on Music. USA: New York University Press, pp. 12-13. ISBN 0-8147-7357-5.

[editar] Catálogo de obras

**CATÁLOGO DE OBRAS DE JOHN ADAMS** (Actualizado, junio 2006)
Año	Obra	Tipo de obra	Duración
1965	It's Gonna Rain, for tape	Música para tape	17:00
1966	Come Out, for tape	Música para tape	13:00
1966	Melodica, for tape	Música para tape	11:00
1967	Piano Phase, for two pianos (can also be played on two marimbas)		15-21:00
1967	Violin Phase, for violin and tape or four violins	Musica solista (violin)	15-18:00
1967	My Name Is, for three tapes recorders and performers (manuscript only)	Música para tape	07-15:00
1968	Pendulum Music, for 3 or 4 microphones, amplifiers and loudspeakers		05-8:00
1970	Four Organs, for four electric organs and maracas	Música instrumental	16-22:00
1970	Phase Patterns, for four electric organs	Musica solista (órgano)	15-18:00
1970-71	Drumming, for 4 pairs of tuned bongo drums, 3 marimbas, 3 glockenspiels, 2 female voices, whistling and piccolo		55’-86’
1972	Clapping Music, for two musicians clapping (both musicians amplified)		03-5:00
1973	Music for Pieces of Wood, for five pair of tuned claves		07-10:00
1973	Music for Mallet Instruments, Voices, and Organ (4 marimbas,vibraphone,2 female voices (S & A) (long tones with organ)	17'-20'
1973	Six Pianos, for six pianos (available as Six Marimbas for six marimbas)		24:00
1974-76	Music for 18 Musicians, for ensemble		55-65:00
1978	Music for a Large Ensemble (with 2female voices (S.A) (woodwinds,pianos,voices and strings amplified)		17:00
1979	Variations for Winds, Strings, and Keyboards, for orchestra		21:30
1979	Octet (see Eight Lines (1983)
1981	Tehillim, for voices and ensemble (Text: Psalms 19,34,18,150 (Heb) (hay version para orquesta)		30:00
1982	Vermont Counterpoint, for amplified flute and tape. (Ensemble version for 8 flutes)		09:00
1984	The Desert Music, for amplified chorus (27), and orchestra (Text: William Carlos Williams (E))		46:00
1984	The Desert Music, for 10 singers (amplified) and reduced orchestra (Text: William Carlos Williams (E))		46:00
1983	Eight Lines, for ensemble	17:30
1984	Sextet, for percussion and keyboards	28:00
1985	New York Counterpoint, for amplified clarinet and tape, or 11 clarinets	11:00
1985	New York Counterpoint (Saxophone Quartet version) Arranged for amplified saxophone quartet by Susan Fancher for the Vienna Saxophone Quartet, saxophone quartet (SATB) with tape	11:00
1985	New York Counterpoint (solo soprano saxophone + tape) (Arrangement for solo amplified soprano saxophone and tape by Susan Fancher	11:00
1986	Six Marimbas (transcription of Six Pianos (1973) for 6 marimbas	24:00
1986	Three Movements, for orchestra	15:00
1987	Electric Counterpoint, for electric guitar or ampliied acoustic guitar and tape (Amplified Guitar soloist and tape, or guitar ensemble. Ensemble consists of 12 guitars and 2 electric bass guitars)	15:00
1987	The Four Sections, for orchestra	25:00
1988	Different Trains, for string quartet and tape	27:00
2000	Different Trains (1988, orch.2000) (string orchestra version) String orchestra and tape - withdrawn 2003	27:00
1990-93	The Cave. Music and Video theatre work (Video by Beryl Korot) Text: Bible (E), Koran and documentary material (E), requires six screens, video projectors, multi channel synchronoized video playback		142:00
1993	Duet, for two solo violins and string ensemble		05:00
1993	Typing Music [Genesis XII], for percussion from The Cave, Act I, for amplified computer keyboard.2clapping.2claves.2BD		03:00
1993-2003	The Cave (excerpts), for amplified voices and ensemble		18:00
1994	Nagoya Marimbas, for two marimbas		05:00
1996	Nagoya Guitars (1994, transcribed 1996) transcription for two guitars by David Tannebaum in collaboration with the composer		05:00
1995	City Life, for amplified ensemble		24:00
1995	Proverb, for voices and ensemble (Ludwig Wittgenstein (E))		15:00
1998	Triple Quartet, for amplified string quartet (with pre-recorded tape), or three string quartets, or string orchestra (Original: for string quartet and pre-recorded tape - Also: for three string quartets or string orchestra - NB: these are two separate performing editions		15’
1999	Know What Is Above You, for four women’s voices (S,S,A,A) and 2 percussion (tamborims)		03:30
2000	Electric Guitar Phase, for electric guitar and pre-recorded tape (arrangement of Violin Phase(1967)		15-18:00
2000	Tokyo/Vermont Counterpoint, for KAT MIDI mallet and pre-recorded tape (arrangement of Vermont Counterpoint (1981)		09:00
2002	Three Tales. Video Opera. Video by Beryl Korot [Act I: Hindenburg - Act II: Bikini - Act III: Dolly], for 5 voices, perc(4), string quartet—prerecorded video and audio tape (DA-88 Digital Tape recorder and high-quality video projection equipment required all voices and instruments amplified) [16’ - 22’ - 27’]		65:00
2002	Dance Patterns, for 2 xylophones, 2 vibraphones, 2 pft		06:00
2003	Cello Counterpoint, for amplified cello and multichannel tape		15:00
2004	You Are (Variations) (text: Rabbi Nachman of Breslov (E), Psalms (Heb.), Wittgenstein (E) & Pirke Avot (Heb.), for amplified ensemble and voices

[editar] Discogradía

Drumming. Steve Reich and Musicians (Two recordings: Deutsche Grammophon and Nonesuch) So Percussion (Cantaloupe)
Music for 18 Musicians. Steve Reich and Musicians (Two recordings: ECM and Nonesuch)
Music for a Large Ensemble/Octet/Violin Phase. Steve Reich and Musicians (ECM)
Variations for Winds, Strings and Keyboards/Music for Mallet Instruments, Voices and Organ/ Six Pianos. San Francisco Symphony Orchestra, Edo de Waart, Steve Reich & Musicians (Deutsche Grammophon)
Tehillim/The Desert Music. Alarm Will Sound and OSSIA, Alan Pierson (Cantaloupe)
Different Trains/Electric Counterpoint. Kronos Quartet, Pat Metheny (Nonesuch)
You Are (Variations)/Cello Counterpoint. Los Angeles Master Chorale, Grant Gershon, Maya Beiser (Nonesuch)

[editar] Ver también

Minimalist music
Steve Reich and Musicians

[editar] Notas

[editar] Bibliografia

Potter, Keith (2000). Four Musical Minimalists: La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass. Music in the Twentieth Century series. Cambridge, UK; New York, New York: Cambridge University Press.
Reich, Steve, Hillier, Paul (Editor) (April 1, 2002). Writings on Music, 1965-2000. USA: Oxford University Press, 272. ISBN 0-19-511171-0.
Reich, Steve (1974). Writings About Music. Halifax: Press of the Nova Scotia College of Art and Design, 78. ISBN 0-919616-02-x.

[editar] Enlaces externos

SteveReich.com - Official Website
Boosey & Hawkes - Official Publisher: biography, works list, resources
Steve Reich at the Notable Names Database