Quartetto d'archi
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Il quartetto d'archi è un gruppo strumentale composto da due violini, una viola e un violoncello e, al tempo stesso, una composizione scritta per il medesimo organico.
Come forma, esso si sviluppa nel quadro dello stile galante e sotto l'influenza del divertimento verso la metà del XVIII secolo. Ha come origine il raggruppamento degli strumenti a corda in seno all'orchestra, lasciando i contrabbassi doppiare i violoncelli. Se i primi quartetti di Luigi Boccherini altro non sono che sinfonie per archi, Stamitz e Gossec separano i loro quartetti in due categorie: quelli da suonare con quattro strumenti e quelli che debbono essere suonati da un'orchestra.
A partire da Haydn e Mozart, il quartetto diviene il genere più in voga nel repertorio della musica da camera. La struttura sposa d'ora in avanti un modello destinato a tradursi in un canone formale, benché messo ripetutamente in discussione (ad esempio, nell'op.131 di Beethoven):
- 1 movimento: in forma sonata
- 2 movimento: un adagio, che può avere la forma musicale di un lied, di un movimento lento, di tema e variazioni o una semplice struttura A B A.
- 3 movimento: minuetto con trio, scherzo a partire da Beethoven.
- 4 movimento: rondò nelle sue varie forme.
Il successo del quartetto d'archi si basa su aspetti sonori e sociologici. Il contrappunto con quattro parti permette di far sentire tutte le armonie senza superflui raddoppi. Il quartetto permette inoltre una grande omogeneità di timbro e l'equivalenza delle voci nel lavoro di contrappunto.
Il quartetto è fortemente apprezzato dai compositori romantici. Resta sinonimo di sforzo, concentrazione e rigore. Durante tutto il XIX secolo, è una specificità tedesca e in minima parte, soprattutto verso la fine del secolo, francese. Esistono anche eccezioni, come ben testimonia la presenza di un quartetto nel catalogo delle opere di Giuseppe Verdi. Beninteso, i compositori segnati dall'estetica wagneriana del Gesamtkunstwerk (opera d'arte totale), dalla musica a programma (Berlioz e Liszt) oppure dal cromatismo e dalla potenza orchestrale di Wagner (Anton Bruckner, Gustav Mahler, Richard Strauss) si disinteressano totalmente del quartetto come stile musicale.
Ovvio dire che, nel dibattito che oppone, durante la seconda metà del XIX secolo, i sostenitori della musica pura (Eduard Hanslick e Johannes Brahms ad esempio) ai difensori della musica a programma (Liszt e il suo circolo di Weimar), il quartetto d'archi rappresenta per i primi il genere nobile per eccellenza: l'ascolto di un quartetto sarebbe sinonimo di contemplazione delle forme musicali per ciò che sono, in opposizione a un ascolto che verrebbe guidato da un programma poetico.
All'inizio del XX secolo il quartetto è, per alcuni compositori, vedi Arnold Schönberg, Alban Berg, Anton Webern, Maurice Ravel, Béla Bartók e Claude Debussy, analogo alla sperimentazione, alla tappa nella ricerca di un ideale in campo di composizione musicale, a tal punto che il critico musicale Dominique Jameux parla di "laboratorio delle forme". Il quartetto di Gabriel Fauré (1924) è l'opera di un musicista desideroso di ultimare la sua lunga carriera di compositore con un capolavoro di purezza ed ascetismo. Si tratta in questi ultimi casi di opere essenzialmente isolate anche se di un'importanza spesso capitale nella storia della musica.
Al contrario, Darius Milhaud (autore di 16 quartetti), Heitor Villa-Lobos (17), e soprattutto Dmitrij Šostakovič (15), hanno contribuito, per l'importanza e la qualità del loro lavoro, a rinnovare la tradizione di questa forma musicale. In Italia hanno apportato un significativo contributo alla letteratura per quartetto i musicisti Gian Francesco Malipiero e Giacinto Scelsi.
La generazione del dopoguerra tenta un rinnovamento del quartetto (Olivier Messiaen, Quartetto per la fine dei tempi, per violino, violoncello, clarinetto e pianoforte, composto mentre era internato in un campo prigionieri in Slesia durante la seconda guerra mondiale; Pierre Boulez, Livre pour quatuor à cordes del 1948) prima di relegarlo tra i pezzi da museo dei generi musicali appartenenti a un passato oramai remoto.
Le generazioni seguenti, segnate dal postmodernismo, si reinteressano al genere, preoccupandosi di dialogare con la storia e di riannodare con la tradizione. Se György Ligeti e Elliott Carter fanno da precursori in questo campo, Helmut Lachenmann in Germania, Brian Ferneyhough in Gran Bretagna, Philippe Fénelon e Philippe Hersant in Francia, ognuno per la propria strada, sembrano non voler più derogare alla regola secondo la quale ogni compositore affermato deve misurarsi con un genere reputato difficile.
