ジャポニズム
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ジャポニズム（英:Japonism）、あるいはジャポニスム（仏：Japonisme）とは、ヨーロッパで見られた日本趣味・日本心酔のこと。本来「ジャポニスム」と呼ぶのが一般的だが、ここでは便宜上「ジャポニズム」に表記を統一する。
ジャポニズムは単なる一時的な流行ではなく、当時の全ての先進国で30年以上も続いた運動であり、欧米ではルネサンスに匹敵する、西洋近代的な美意識と科学的パースペクティヴの、大きな変革運動の一つの段階として見られている。特に19世紀中頃の万国博覧会（国際博覧会）へ出品などをきっかけに、日本美術（浮世絵、琳派、工芸品など）が注目され、印象派やアール・ヌーヴォーの作家たちに影響を与えた。
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[編集] 概要
ジャポニズムは画家を初めとして、作家・詩人たちにも大きな影響を与えた。たとえばゴッホによる歌川広重の『名所江戸百景』の模写（画像）やモネの着物を着た少女（画像）が非常に有名であり、ドガを初めとした画家の色彩感覚、人物や風景の構図にも影響を与えている。和歌なども翻訳され、例えば扇子に記したマラルメの4行詩はその影響とされる。
ジャポニズムはオリエンタリズムから生じた結果ではあるが、たんなる一時的な流行に終わらなかった。14世紀以降、西欧では何度か大きな文化的な変革が起きた。西洋近代を告げるルネサンスにおいては自然回帰運動が起き、芸術の世界では具象をありのままに捉えようとする近代的パースペクティヴが発展し、写実性を求める動きが次第に強まり、19世紀中頃にクールベらによって名実ともに写実主義が定着した。19世紀後半からは写実主義が衰え、印象主義を経て抽象主義などのモダニズムに至る変革が起きた。この変革の最初の段階で決定的に作用を及ぼしたのがジャポニズムであったと考えられている。ジャポニズムは単なる流行にとどまらず、それ以降1世紀近く続いた世界的な芸術運動の発端となったのである。
昨今では日本の漫画・アニメーションなどがフランスなどで高い人気を博しており、「現代のジャポニスム」といわれている。なお、ルイ・ヴィトンのダミエキャンバスやモノグラム・キャンバスも当時のゴシック趣味、アールヌーヴォーの影響のほか、市松模様や家紋の影響もかかわっているとされる。
[編集] 歴史
[編集] ジャポネズリーの時代
ジャポネズリーとは、異国趣味としての日本趣味のことである。オリエントや中国などの物産と同様に、当初は日本の工芸品も見た目の物珍しさで評価されていた。ジャポネズリーはジャポニズムの一部、あるいは前段階として解釈されている。
嘉永年間、黒船来航により開国した日本に、西洋からの商船が押し寄せた。当時発達しつつあった写真技術と印刷技術により、日本の様子が西洋に広く知られるようになった。他の美術工芸品とともに浮世絵という印刷物がヨーロッパとアメリカでまたたく間に人気を博するようになった。
ジャポニズムの第一段階は日本の美術品、特に浮世絵の熱狂的なコレクションから始まる。その最初の兆候はフランスのパリであった。1856年頃、フランスのエッチング画家フェリックス・ブラックモンが、彼の店で『北斎漫画』のコピーを目にした。それらは磁器の積送品のために包装紙として使われていたものだったという。その最初の発見ののち1860年から1861年にかけて、日本で発行されていた浮世絵本が、ヨーロッパでも白黒で複製され出版されはじめる。
シャルル・ボードレールは、1861年に手紙を書いている。「ちょうど少し前に、私は1箱の日本の工芸品を受け取りました。私はそれらを友人たちと分け合いました……」。その翌年にはラ・ポルト・シノワーズ（「中国の門」、La Porte Chinoise）という浮世絵を含むいろいろな日本製品を売る店がリヴォリ通りというパリで最もファッショナブルなショッピングストリートに開店した。
1871年、カミーユ・サン＝サーンスが『ラ・プランセス・ジョーヌ』（『黄色人の王女』、La Princesse jaune）というオペラを作曲した。その詩はルイ・ガレが書き、オランダ人の少女が芸術家のボーイフレンドが熱中する浮世絵に嫉妬するというものだった。
ブラックモンによる浮世絵の傑作の発見にもかかわらず、当初は、古い世代の上流階級には受け入れられなかった。西洋人の感覚が浮世絵の真価を受け入れるにはもう少し時間を要したのである。また、同時期のアメリカのインテリたちは、江戸の印刷物などは低俗なもので、雪舟や周文などの大和絵のような日本のユニークで洗練された宗教的、国家的遺産とは区別されるべきものだと主張した。
1870年代と1880年代、多くのフランスのコレクターや作家、芸術評論家が日本に渡った。その結果、ヨーロッパ、特にフランスにおいて日本の美学に関する出版物と工芸品がさらに広く知られるようになった。中でも、自由主義経済学者アンリ・チェルヌースキ、批評家テオドール・デュレ、数年間江戸に住んで医学を教授した英国のコレクターのウィリアム・アンダーソンがその代表者である。現在でも、アンダーソンのコレクションは大英博物館で見ることができる。ジャポニズムの広がりに伴って、林忠正のような日本人美術商もパリで開業し始めた。1878年のパリ万博では、数多くの日本の工芸品が展示され人気を博した。
[編集] ジャポネズリーからジャポニズムへ
右のマネの絵はジャポネズリーの代表的なものであると考えられる。人物の後ろに浮世絵などの日本の絵画がちりばめられてはいるが、この作品そのものには日本の絵画の表現方法が顕著に取込まれているわけではない[1]。この項の冒頭にあるゴッホの絵も同様の感覚によるものであるとも考えられる。このように日本の芸術の評価は異国趣味の一つに過ぎなかったが、浮世絵などで使われていた日本独特の空間表現や色彩感覚が、次第にヨーロッパの芸術家に取り入れられ「～イスム」となっていく。
北斎や歌麿を含む日本の画家の作品は絶大な影響をヨーロッパに与えた。日本では文明開化が起こり、浮世絵などの出版物が急速に衰えていく一方で、日本のアートはヨーロッパで絶大な評価を受けていた。日本のアートから影響を受けたアーティストにはピエール・ボナール、マネ、ロートレック、メアリー・カサット、ドガ、ルノワール、ホイッスラー、モネ、ヴァン・ゴッホ、カミーユ・ピサロ、ポール・ゴーギャン、クリムトなど数え上げたらきりがない。
不思議なことに版画だけはそれほど影響を受けなかったが、それ以外のほぼ全てのメディアの作品が日本の影響を受けた。版画が影響を受けなかったといっても、ヨーロッパで主流だったリトグラフのことであって、当時の西欧では木版画自体が人気が無かったのである。ロートレックのポスターと印刷物に到っては、日本の影響なしにその存在を語ることができないほどである。現代木版画の創始者であるポール・ゴーギャンやフェリックス・ヴァロットンは日本のモノクロの版画を見るまでは版画に興味さえなかったのである。
英国へのジャパニーズ・アートの伝達にはホイッスラーが重要な役割を果たした。当時パリは日本の物産の集散地であったが、ホイッスラーはパリに数年間滞在し、優れたコレクションを蓄積した。
ヴァン・ゴッホのいくつかの作品は浮世絵のスタイルを模倣したり、それ自体をモチーフにしたりしている。たとえばタンギー爺さん（あるアートショップのオーナー）の肖像画には、背景に6つの浮世絵が描かれている。また彼は、1886年、渓斎英泉の浮世絵をパリの雑誌『パリ・イリュストレ』（Paris Illustré）で見つけた後、1887年に《娼婦》を描いている。ゴッホはこの時すでにアントワープで日本画を収集していた。
音楽に関しては、ジャコモ・プッチーニの有名な『蝶々夫人』がジャポニズムの影響を受けている。また、ウィリアム・ギルバートとアーサー・サリヴァンによる有名なオペレッタ『ミカド』は、ロンドンのナイツブリッジで行われた日本の展示会から着想を得たものである。
これらのアーティストは、多くの日本アートの要素を取り入れた。ジャポニズムの流行った当時、欧米のアーティストは日本のアートの不規則性と非対称性に大変関心を寄せた。西洋のものとは異なる遠近法が用いられており、中心が中央から外れて構成されている。また写実的陰影法も無く、鮮やかな色彩で平面構成がなされている。これらの要素は19世紀までの画家にとって前提であったローマン・グレコ様式（Roman-Greco art）の正反対、まさに対極にあるものであった。西洋の画家たちが近代的な表現技法に行き詰まりを感じているなか、日本のアートは彼らの心理を、伝統に束縛された慣習から解き放ったひとつの契機となったのである。
浮世絵は線で構成されており、何も無い空間と図柄のある部分にくっきりと分かれ、立体感がほとんど無い。これらの特徴はアール・ヌーボーに影響を与えた。浮世絵の直線と曲線による表現方法は、その後、世界中の全ての分野の絵画、グラフィックで当たり前のように見ることができるようになった。これらの浮世絵から取り入れられた形状と色彩構成は、現代アートにおける抽象表現の成立要素のひとつと考えられる。ジャポニズムによって、その後の家具や衣料から宝石に到るまであらゆる工芸品のグラフィックデザインに、日本的な要素が取り入れられるようになった。
[編集] ジャポニズムの影響
左上の絵は19世紀中頃の写実主義のフランスの画家、アンリ・ファンタン=ラトゥールの『テーブルの隅』という絵である。左下は世紀末のフランス画家、アンリ・ド・トゥールーズ＝ロートレックのポスター画である。ロートレックはジャポニズムの影響を強く受けた画家の一人である。このロートレックのポスターは現代人の目には特別なものには映らないが、当時の西洋人にとってはかなり斬新な表現方法を使った絵であった。
まず、ロートレックの絵にはテーブルのラインが画面を真っ二つに切るように斜めに入っている。ジャポニズム以前の絵画では、このように大胆に斜めのラインが入ることは珍しく、ファンタン＝ラトゥールの絵のように水平に入るのが普通であった。これは右の広重の浮世絵に見られるような構図がインスピレーションになっていると考えられている。
また、ファンタン=ラトゥールの絵では遠近法と陰影、細部の描写により立体感を表現しているが、ロートレックの方は平面の組み合わせで描写され、立体感の表現は全く放棄されている。人物や物体の輪郭が線で表現されるのも、ジャポニズム以前のヨーロッパではあまり見られない表現方法であった。色使いも大胆で鮮明な原色が画面のかなりの面積を占めており、油彩とリトグラフという比較障害があるとしても、ファンタン=ラトゥールの絵とは好対照である。
左の絵では比較しにくいが、ジャポニズム以前の絵画では、地平線の位置が画面中央付近から下部に水平に表現されるのが普通であった。ジャポニズム以降は地平線が画面上部に描かれたり、あるいは背景全部が地面または床になることが普通に見られるようになる。このようなジャポニズムの影響は、20世紀に入るとヨーロッパのあらゆる視覚表現に普遍的に見られるようになり、これはジャポニズムでこちらはそうではない、と区別することが意味を成さなくなっていく。
[編集] 関連項目
[編集] 脚注
- ^ 朝日新聞社編『名画の見どころ読みどころ 19世紀近代絵画②』朝日新聞社、58-60頁。ただし、マネ自身はジャポニズムに傾倒した画家といわれる。《エミール・ゾラの肖像》はゾラの日本趣味を表した作品だが、作品自体にもジャポニズムの影響が見られると指摘する者もいる。この場合においては、ゾラ本人の趣味として日本の絵画を背景に配したとも考えられるが、断言はできない。
